Hola chicas hoy os voy a dejar unas cositas muy interesantes sobre los inicios de la moda y sus "creadores" para mi los mas importantes que a dia de hoy su estilo permanece.
Espero que os guste un beso . FELIZ DIA
COCO CHANEL
Hija de un vendedor ambulante y de un ama de casa de escasos recursos, tuberculosis y el padre se desentendió de1905 resolviócabaret, oficio que desplegó por tres años y queDeauville,
Normandía
Cambon, su primera Casa Chanel.
Guiada por su espíritu libertario no tuvo complicaciones para vincularse con
adinerados hombres de la sociedad europea ni con estrellas del cine. Ocultó
además celosamente su humilde pasado mintiendo sobre sus orígenes.
Fue el playboy Etienne Balsan quien la colocó con su tienda de sombreros,
pero su vínculo con el amigo de éste, el socialité y jugador de polo inglés
"Boy" Capel
perdidamente de Capel y se escapó con él.
Chanel nunca se caso con Capel y este se casó por conveniencia y debido a su
origen judío con otra mujer de alta alcurnia, pero mantuvo a Chanel como
amante.
Este murió tempranamente en un accidente automovilístico; Coco llegó al lugar
y lloró amargamente la pérdida de su benefactor, quizás el más importante.
Ningún otro ocupó su lugar por un tiempo prolongado. Estuvo mucho tiempo
recluida en su departamento antes de superar un tanto su frustración por no
haberse hecho con su fortuna.
El legado de Balsan y Capel la convirtieron en la gran dama de la moda, y
además pretendida por muchos aristócratas, uno de ellos fue el
Westminster
sábanas. "Ha habido muchas duquesas de Westminster, Chanel hay una sola",
fue su explicación.
Se codeó con grandes artistas, escritores y artistas contemporáneos como:
Stravinski
vieron en ella a una de las pioneras del feminismo, dispuesta a romper
fórmulas y esquemas. Stravinski se enamoró perdidamente de ella, pero solo
tuvo que conformarse con ser su amigo, fue este quien le presento al conde
Dimitri de Rusia, con quien tuvo un apasionado romance.
Observadora innata, la estricta moda aplicada sobre las mujeres -que usaban
grandes sombreros cargados de pieles de animales y flores, corsé y
recargados diseños- la hizo desplegar toda su imaginería hasta convertirse en
una de las grandes diseñadoras del S XX, tan trascendental como Christian
Dior y otros grandes que la siguieron. Coco eliminó la moda Rococó que
imperaba, diseñando prendas muy sencillas, muy cómodas, de líneas rectas,
pero con un toque de alta distinción, la moda fue rápidamente adoptada por el
encumbrado público parisino. Su frase más célebre fue: "Todo lo que es moda
pasa de moda".
Pese a los años de recesión, en
Goldwin
musas del celuloide como
, (1913) y Biarritz (1916). En 1920, trasladó a París, en la RueArthur, fue el que posibilitó su despegue. Chanel, se enamoróDuque dedel que rechazó una propuesta de matrimonio, pero no lasÍgor, el ruso Diaghilev, George Bernard Shaw y Jean Cocteau. Todos1931, el magnate hollywoodense Samuella contrató por un millón de dólares para que vistiera a sus grandesKatherine Hepburn, Grace Kelly, Elizabeth Taylor y
Gloria Swanson
Coco marcó la pauta de la moda durante los locos años 20, pero ni siquiera su
pasado como enfermera durante la
que su reputación cayera por los suelos durante la
golpeó en todos sus frentes
La caída de París en manos alemanas, la obligaron a cerrar sus tiendas en
.Primera Guerra Mundial, pudieron impedirSegunda, conflicto que la
1939
supuesto
Sus amoríos con miembros de la
(
, pero se relacionó obligadamente o voluntariamente a pesar de suantisemitismo con la dirigencia nazi, en especial, miembros SS.Gestapo tales como Walter Schellenberg yHans Gunther von Dincklage), este último es quien la llevó a vivir al hotel Ritz
y de ahí, un exilio, en
Fue tachada de colaboracionista y se libró de ser rapada y humillada. Pasada
la segunda guerra, Coco tuvo que cargar con las consecuencia de sus
relaciones con los nazis.
En
renombre se habían instalado en su sitial. Se mantuvo al frente de ella con un
extraordinario dinamismo y adaptándose a las diversas tendencias que
recorrían el mundo. Aun así, logro imponer el clásico toque de sencillez y
elegancia que la caracterizaba. Incursionó además exitosamente en el campo
de los perfumes, haciendo especialmente famoso el perfume
Pero su vida solitaria dominada por la
tan impredecible como la vivió. El 10 de enero de 1971, sola en su
departamento ubicado en el hotel Ritz, con vista a la Place Vendome, y a los 87
años.
Chanel había salido a pasear y cuando volvió al hotel se sentó a ver televisión
mientras le preparaban la cena. Con ella estaba su sirvienta personal. Chanel
la hizo apagar la tele, se echó en la cama un rato y de repente llamó a su
sirvienta a socorrerla. La sirvienta cogió una aguja y mientras la retiraba Chanel
dijo "así es como se muere". Chanel fue enterrada en Suiza.
Aún así siguió siendo una mujer influyente y creativa, dispuesta a mantener con
todo su máxima: la libertad de movimiento. Su cuerpo yace en
Suiza, resguardado por cinco leones de piedra.
Actualmente la casa de moda Chanel sigue funcionando a todo ritmo siguiendo
la moda más actual a mano de
La senda que señaló Coco Chanel permanece como un referente en muchos
diseñadores actuales.
Suiza, durante 15 años.1954 y con 71 años, reabrió su casa de moda, pero ya otros diseñadores deChanel número 5.artrosis y la morfina, terminó en formaLausanne,Karl Lagerfeld.
CHARLES
FREDERICK WORTH
Este modisto Inglés llegó a París tras siete años de formación en Londres. En
1858 funda junto a su socio Boberg su propia casa de moda en la Rue de la
Paix, de la que toma en 1871 la dirección en solitario.
Worth fue pionero en atribuirse la categoría de celebridad al firmar sus
creaciones como si de piezas de arte se trataran. Además, cada nuevo año
presentaba una colección con la que aumentar sus ventas y por tanto sus
beneficios. Esta innovación revolucionaria de las colecciones de temporada es
una fuente de la que los actuales diseñadores siguen sacando provecho.
Las líneas de Worth eran sencillas, redujo la crinolina, de modo que la falda
caía plana por la parte delantera y recogió el exceso de tela por detrás. La
palabra modisto se creó especialmente para calificar a Worth, que consiguió
unir la técnica inglesa del corte con el derroche de elegancia propio de los
franceses.
Además, hay que mencionar que el modisto inglés debió gran parte de su fama
a dos emperatrices de la época: Isabel de Austria y Eugenia, la esposa de
Napoleón III. Ambas se hicieron retratar para la posteridad luciendo diseños en
seda y tul bordados en oro de Worth. Tras el fallecimiento del genio, el relevo
pasó a sus hijos, Gastón y Jean-Philippe.
Sobre la indumentaria de la femme ornée o la "mujer adornada" de la belle
époque hay que decir que se caracterizaba por su afán de comprimir y cubrir
de postizos el cuerpo femenino. La idea era crear un reloj de arena con las
curvas de la dama: frágil cintura y exuberante parte superior e inferior.
El vestuario femenino, incluso en la versión ligeramente suavizada de Worth,
recordaba a una camisa de fuerza. El cuello, alto, estrecho y rígido, obligaba a
erguir la cabeza, mientras que los sombreros, algo inclinados y de anchas alas,
se decoraban con pesadas plumas de avestruz. Las mangas estaban
ahuecadas en el hombro, se recogían en el codo y se estrechaban hasta la
mano. Cubrían hasta los nudillos para no mostrar zonas indecorosas. Las
faldas llegaban hasta el suelo y se ensanchaban en las caderas, cayendo en
forma de campana. Su parte posterior estaba decorada con pliegues y
rematada con una pequeña cola. Los zapatos y botines eran puntiagudos y se
sostenían sobre medios tacones barrocos. Los complementos imprescindibles
eran las medias de seda negra, los guantes ajustados y la sombrilla, que servía
para preservar el tono blanco de la piel.
Para el día se usaban telas de lino, terciopelo y lana. Los colores eran pasteles
claros o apagados como el rosa, azul o malva. Estos vestidos se engalanaban
con galones, cintas, lazos y volantes. Para la noche se recurría a la seda, las
puntillas, la muselina, el tul, el crespón de China o el satén entre otros. Los
trajes presentaban ricos adornos y generosos escotes. Eran imprescindibles los
guantes largos para "vestir los brazos" y para que no se vieran las manos
desnudas.
Vamos a compartir imágenes del siglo XIX, las imágenes pertenecen a quien
se considera el "padre" del la alta costura.
By Worth, Elizabeh de Austria.
MADELEINE VIONNET
Esta precursora e innovadora mujer nació en el año 1876, perteneció a una
familia muy humilde y aprendió corte y confección de pequeña, trabajó al lado
de Doucet aportando a su firma la liberación del corset
La propuesta para su propia firma fue innovadora, ya que comenzó a cortar
vestidos al bies o sesgo, así sus prendas comenzaron a adquirir un movimiento
desconocido hasta el momento. Ofreció libertad, sus diseños tienen una
connotación con la indumentaria griega, utilizó drapeados, y luchó porque la
silueta de la mujer resaltara y no se ocultara más debajo de pesados atuendos
o corset. Propuso vestidos en telas livianas, en colores claros, que se llegaron
a usar sin ropa interior.
Madeleine Vionnet fue la inventora del corte al bies y de hermosos drapeados
que hasta hoy en día nadie a conseguido superar. Su vestido de noche color
marfil (1935) se considera una obra maestra, cuya caída perfecta se debe a
una única costura, lo que para su creadora constituía el objetivo más elevado.
Es posible que la habilidad de Madeleine Vionnet para crear estos cortes a
partir de formas simples como cuadrados o triángulos, se debiera a su pasión
por la geometría.
Vionnet estudió el cuerpo femenino como un médico, para de ese modo
preservar su belleza natural y obligar al vestido a adaptarse a la silueta. Hizo
uso de los drapeados y del célebre corte al bies, hasta entonces solo utilizado
en cuellos, nunca en un vestido entero. Utilizó tejidos sutiles, como el crespón
de seda, la muselina, el terciopelo o el satén. En 1918, su proveedor, creó
especialmente para ella un tejido único compuesto por seda y acetato, una de
las primeras fibras sintéticas.
Los colores que usaba eran clásicos, siendo su preferido el blanco en todos
sus matices. Además, la diseñadora procuró no recargar excesivamente sus
creaciones, utilizando como adornos bordados, rosas o nudos estilizados.
Las trabajadoras de Vionnet disfrutaron de unas condiciones que la ley no
impondría hasta más tarde, breves descansos, vacaciones pagadas y ayudas
en caso de enfermedad. A ella y a sus generosas donaciones se debe la
creación en 1986 del Musée de la Mode et du Textile en París.
CHRISTIAN DIOR
Christian Dior nació el 21 de enero de 1905 en Granville en Normandía. Se crió
en una rica familia. Es entonces un estudiante de Ciencias Po-, pero el joven
cristiano gasta más tiempo admirando los museos de arte de París a trabajar
su camino. También le encanta hablar de música, la poesía y la literatura con
su amigo Jean Cocteau. Para apoyar a sí misma, señala a Le Figaro en 1938 y
entre Piguet en el monumento de la moda parisina de la época. En 1946
decidió abrir su propia alta costura, con la ayuda financiera de Marcel Boussac,
Christian Dior Avenue Montaigne inaugura su primera pequeña industria.
Después de algunos años, Dior consiguió dejar la galería y dedicarse a su
pasión, la ropa. Su nueva idea de usar capas sobre capas de tela con diseños
estrafalarios lo llevó a tener su primera colección en 1947; su primera casa de
modas se abrió en Nueva York en 1949. Durante aquellos años, se le criticaba
por usar una gran cantidad de tela en cada vestido y traje, debido a que
estaban limitadas durante la segunda guerra mundial. Sus diseños de
elegancia clásica y feminidad exquisita siguen revolucionado el vestir diario y
festivo. Fue gracias a los diseños de Dior que Paris volvió a establecerse como
el centro del mundo de la moda después de guerra.
El diseñador John Galiano, encargado de la Casa de Moda Dior por los últimos
10 años, acaba de presentar la colección otoño/invierno, en una presentación
inspirada por el impresionismo y pinturas modernas.
Modelos de talla internacional se dieron cita para caminar por la pasarela,
incluyendo a la ex de Leo Di Caprio Gisele Bundchen, el cineasta español
Pedro Almodóvar y Sophia Coppola.
Dior solía decir que su intención era construir “mujeres florales”, en referencia a
sus diseños coloridos y extravagantes. Dior también es un líder en bolsos,
lentes y joyas.
Luego de grandes restricciones debido a la segunda guerra mundial, Dior
propone el regreso de la mujer a su feminidad, después de lucir una imagen
algo masculinizada, vestida con trajes sastre con influencias militares, la mujer
quiere verse glamorosa e impecable.
Christian Dior propone varias siluetas, siendo la más característica y
significativa de este período la silueta "A”, que constaba de cintura muy ceñida,
lo cual se lograba con el uso de corsé, y falda muy amplia. Otras siluetas
fueron: Y, H, I.
Utilizó materiales lujosos, cuellos exagerados , lunares, rayas, flores, satén de
seda natural, pieles, e incorporó el uso del calzado con taco aguja, debido a
esto, se les prohibía a las mujeres ingresar a los museos, debido a que
marcaban el piso con sus tacos.
Para la noche la propuesta fue el largo total en los vestidos y faldas.
Hace ya 50 años que el diseñador francés falleció. Hoy se le hace un tributo en
Paris. Los grandes se han dado cita para presenciar un desfile de modas sin
precedente, en donde se funde lo clásico del “look” Dior y la modernidad de las
grandes metrópolis. Con boutiques en las ciudades más importantes del
mundo, Dior confecciona para los exigentes del buen vestir. Ricos y famosos
han usado con orgullo las prendas hechas para Christian Dior, con la mayoría
de estos vestidos costando miles de dólares.
Dior en los años 60.
ELSA SCHIA
PARELLI
Conocida como Schiap entre sus allegados, Elsa Schiaparelli nació en Roma
en 1890 en el seno de una familia adinerada y muy vinculada a la cultura y las
ciencias. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de su ciudad natal, y ya
sorprendió a propios y extraños publicando un escandaloso libro de poemas
eróticos al terminar su carrera. Se marchó a París y allí se casó muy joven, a
los 18 años, con el conde William de Wendt de Kelor, con quien instaló en
Nueva York en 1921 (empapándose, de paso, de toda la modernidad de esa
ciudad en plena ebullición hasta que nació su hija. Al poco de nacer ésta, las
abandonó a los dos y Elsa se instaló en París sin trabajo y una niña que
mantener: había que ponerse manos a la obra.
Retomando sus antiguas amistades parisinas, empezó a entablar contacto con
representantes de los movimientos artísticos que bullían en aquellos días,
como Francis Picabia, dadaísta, o Marcel Duchamp y Man Ray, del
Surrealismo. Animada por sus amigos artistas, Elsa inauguró una boutique en
París a comienzos de los años 20 que permanecería abierta hasta 1954,
cuando se negó a aceptar los cambios introducidos en la moda después de la II
Guerra Mundial. ¿Por qué no quiso unirse a las corrientes de estilo imperantes
en la época? Porque ella siempre fue a contracorriente y se alejaba de las
convenciones, prefiriendo mantenerse siempre más cerca de las inclinaciones
artísticas que financieras.
Elsa Schiaparelli es la diseñadora del Surrealismo, y trabajó codo con codo con
Salvador Dalí, Leonor Fini o Jean Cocteau; el de Cadaqués incluso diseñó para
ella una enorme langosta que ella plasmaría en su célebre Lobster Dress.
También es muy famoso su sombrero-zapato, detrás del cual está, por
supuesto, la calenturienta surrealista mente de Dalí. Elsa mantenía su boutique
parisina con bastante éxito gracias a sus innovadoras propuestas: gruesos
jerséis tejidos por refugiadas armenias, combinaciones de color inauditas para
la época, uso de tonos vibrantes, pasión por las cremalleras y botones... Creó
una nueva y atrevida elegancia inspirada en el arte y que tenía mucho de
teatral y cinematográfico.
Coco Chanel la definió como "esa artista italiana que diseña ropa" ya que era
su máxima competidora en aquel momento. Mientras Chanel optaba por la
austeridad, Schiaparelli se esforzaba por crear prendas más llamativas, llenas
de detalles, e innovar con los cortes. Sus creaciones fueron de las primeras en
incluir el color fucsia o el turquesa, solo o combinados, así como materiales
nunca antes utilizado en la ropa como el plástico. Fue la primera en crear
amplias líneas de baño y deporte para la mujer, incluyendo una especie de
falda pantalón para poder jugar al tenis con comodidad. Su estilo, a veces
ofensivo para las damas más recatadas de la época, era muy del agrado de
fieles clientas como Wallis Simpson, Daisy Fellowes o Marlene Dietrich. En
definitiva, mujeres rompedoras y que no se conformaban con lo convencional.
Cuando terminó la guerra, tras haberse autoexiliado a Nueva York, volvió una
vez más a París para continuar con su negocio. Pero el panorama era
desolador: la moda volvía al estilo preguerra, imperaba la austeridad y un tal
Christian Dior dominaba el mercado. En 1954 se retiró, el mismo año en que su
gran rival, Coco Chanel, retomaba su firma. El mundo de la moda ya no estaba
hecho para ella; comenzaban los años de sobriedad, elegancia, de blancos,
negros y grises en detrimento de la imaginación y el colorido. ¿Qué le debe la
moda a Elsa Schiaparelli? La creatividad, la fantasía y la vivacidad.
Elsa murió en 1973, pasando sus últimos días entre París y Túnez. Cabe
destacar que su descendencia también ha permanecido ligada a la moda de
una manera u otra. Su única hija, Maria Luisa -conocida como Gogo-, se casó
con el millonario Robert L. Berenson, padre de Marisa Berenson, actriz y
modelo incluso a su edad imposible.
La casa Schiaparelli reabrió en 1977 dirigida por un equipo de diseñadores, y
hoy continúan vendiendo perfumes y accesorios de una manera bastante
testimonial y casi como si fuera merchandising. De cualquier forma, su legado
lo podemos apreciar en todos esos visionarios de la moda (John Galliano,
Vivienne Westwood, Jean Paul Gaultier, Viktor & Rolf) que continúan
rompiendo moldes como Elsa hizo hace ochenta años.
VIVIENNE WESTWOOD
Con espíritu inquieto comprendió que en su pequeño pueblo no iba a suceder
nada importante, Vivienne se instaló en Londres y allí se matriculó en la
Escuela Harrow para estudiar Arte. En 1971 conoce a otro gran innovador,
Malcolm McLaren
tienda Let it Rock, en Kings Road, un establecimiento que combinaba la música
con la moda y terminó creando un estilo de vida propio y siendo durante años
la cuna de la modernidad.
En plena efervescencia londinense, la tienda transformaba su apariencia cada
cierto tiempo para acondicionarse a los vaivenes de la moda que ellos mismos
inventaban. En 1974 decidieron bautizarla como Sex, puesto que McLaren se
había convertido en el manager de un grupo puntero, Sex Pistols, creadores de
un nuevo movimiento musical conocido como punk, en el que Vivienne
Westwood reinaba por derecho propio.
La excentricidad y la anarquía eran dos de los lemas de la ropa que creaba
Vivienne para su numerosa clientela procedente de las calles, llegando a
diseñar ropa de goma, cuero o charol. Su colección de 1976 la denominó
Esclavitud, en la que las prendas se presentaban claveteadas, llenas de
hebillas, cremalleras y correas. Fue un éxito total y Vivienne Westwood aportó
innumerables ideas que se copiaba a diestro y siniestro.
En 1981 la tienda vuelve a cambiar de nombre, adopta el definitivo de Worlds
End y la diseñadora presenta Pirata, su primera colección en la que aparecen
pantalones de montar y cortes asimétricos, con la que obtiene excelentes
críticas, al siguiente año coloca sujetadores sobre la ropa y exhibe tejidos
maltratados en Nostalgia of Mud, y en el siguiente con Sorcières aparecen las
zapatillas de deporte en la pasarela por primera vez.
Vivienne toma entonces la decisión de trasladarse a París para realizar sus
espectaculares desfiles y es en esta ciudad en donde casi cada año se pueden
seguir admirando sus creaciones.
En 1985, con Minicrini, lanza los zapatos de plataforma, una pieza
absolutamente Westwood, como sus corsés, los trajes sastre en
y los
Sin duda Vivienne ha hecho que el tartan tejido de lana con el que se realizan
los cuadros escoceses sea una estrella de la vanguardia que hoy en día luce el
cantante Robbie Williams en sus conciertos.
Descarada e iconoclasta, su imagen con la falda levantada sin llevar ropa
interior delante del Palacio de Buckinham continúa apareciendo cada cierto
tiempo y con ella el espíritu provocativo que la ha llevado a experimentar sin
temores ni restricciones.
Hace cinco años que esta veterana de la moda cuenta con su propio perfume
Budoir, muy floral y persistente, además ha hecho un diseño para uno de los
relojes de la firma Swacht y continua creando colecciones en la que su frase La
ropa le sienta mejor a la gente que se empeña en usar su inteligencia, es el
que impera.
, de quien se convierte en pareja y en socia, y montan latweed escocéstailleurs con polisón.
MARY
QUANT
Nace en Londres Inglaterra en 1934 y su nombre personificó la revolución
juvenil de los años '50 y '60. Hoy en día Mary Quant, no tiene el reconocimiento
que merece dentro del mundo de la moda, a pesar de que su contribución fue
muy importante. En los años '60, ella entendía perfectamente la necesidad de
los cambios que estaba ocurriendo a nivel social, por lo que eso la hizo el
nombre más famoso que alguna vez saliera de Londres. Estudió en el
"Goldsmith's College of Art" en Londres. Allí conoció a Alexander Plunket. Se
casaron en 1957 dos años después de abrir la primera tienda Bazar en la
"King's Road" en Londres. En sociedad con Archie McNair. Este talentoso trío
impusieron un nuevo estilo en la venta de ropa para gente joven e hicieron del
King's Road una mundialmente famosa atracción turística del que todavía se
recuerda. Al inicio vendieron ropa diseñada por otros, pero debido a la falta de
conocimiento que tenían estos acerca de las necesidades de los clientes
jóvenes, fracasó. Empezó a diseñar su propia ropa. Estaba tan en línea con
movimiento del momento que enseguida empezó a vender todos sus diseños.
Si ella originó la mini-falda es ahora una pregunta menos importante. Es ella
quién ciertamente popularizó su uso en la Gran Bretaña y en los Estados
Unidos de Norte América.
Fue incluso quien hizo que las jóvenes ya no se quisieran vestir como sus
madres. Diseñó trajes que las madres no pudieran vestir sin verse desastrosas.
Con su comienzo la tradición de diseñar especialmente para adolescentes o
aquellos que ya tenían veinte años es actualmente una industria enorme que
sigue creciendo. Su negocio empezó en una pequeña escala. Los diseños que
ella creó no tenían (classless and iconoclastic). Nunca tuvo miedo de violar las
cánones del buen gusto. Su ropa era comprada por una generación con
bastante poder de adquisición cuyas vestimentas eran el centro de la
existencia. Ella decía: "por suerte...por oportunidad...talvez por
error...estuvimos en algo enorme...un tremendo renacimiento en el mundo de la
moda". En 1961 abrió su segundo Bazar en "Knightsbridge", y para 1963
estaba exportando para los Estados Unidos. En ese año estuvo en una
producción masiva con su línea "Ginger Group" y recibió un premio de la moda
de "The Sunday Times". En 1966, cuando fue honrada con el premio O.B.E.
(Order of The British Empire), fundó su imperio de cosméticos, que fue una
máquina mundial de producción de dinero. En la década de los '70 su licencia
creció e incluyó lencería, joyería, alfombras, corbatas para caballeros y lentes
de sol. En 1973 el Museo de Londres le dio una retrospectiva que implica que
sus días como líder creativa estaban descendiendo. Si fue o no una gran
contribuidora en el mundo de la moda, nadie puede dejar de aclamar que es
una pieza central en la revolución cultural que continúa hoy en día. Talvez su
importancia social podría no ubicar su reputación como diseñadora. Su
autobiografía Quant by Quant, fue publicada en Londres en 1966.
(Londres, 1934) Modista británica. Su nombre adquirió fama internacional en
los años sesenta, con la creación de la minifalda. Representante de una moda
informal destinada a los jóvenes, sus modelos se difundieron a escala
industrial.
Junto a su marido Alexander Plunket Green, abrió la primera boutique en Kings’
Road, llamada Bazar. A continuación, durante la década de 1960, abrió más de
cien nuevas tiendas en Londres, la más famosa de ellas en Carnaby Street.
Su estilo extremadamente sencillo y colorista, identificado por el símbolo de la
margarita, contrastó con la seriedad de la moda imperante. Además, promovió
un nuevo arquetipo de mujer joven y delgada, encarnado a la perfección por la
esquelética modelo Twiggy.
Mary Quant lanzó la minifalda (aunque su paternidad se la disputan Quant y el
modisto francés Courrèges), las medias estampadas, las botas altas por
encima de las rodillas, los pantalones de campana, los tops calados y los
impermeables de colores chillones, además de diversas líneas de perfumería y
cosméticos. Gracias a sus precios asequibles y a su estilo juvenil y rebelde,
consiguió un impresionante éxito comercial.
El 10 de julio de 1964, un desfile de la diseñadora inglesa Mary Quant dio al
mundo de que hablar cuando presentó su colección de verano. Mostró por
primera vez y como gran atracción la minifalda, un modelo de falda que llegaba
a estar 15 centímetros sobre la rodilla.
Hoy, la minifalda se suma al Big Ben y al cricket como símbolo de lo que los
británicos consideran lo mejor de su país en un proyecto que busca íconos que
definan la identidad inglesa, publicó días atrás el diario Daily Express, pero la
lista se extiende cada día más.
Esta nueva lista de íconos británicos es la segunda de un proyecto promovido
por el Gobierno Nacional Británico, que en el transcurso del año anunciará los
resultados.
Hasta ahora la minifalda está incluida en una lista en la que aparecen otros
objetos con los que se identifican los británicos como la novela de Jane Austen
Orgullo y prejuicio, el teatro londinense Globe, donde Shakespeare estrenó sus
primeras obras, o el libro El origen de las especies, del científico Charles
Darwin.
La marca de cosméticos Mary Quant Ltd es un emporio que tiene actualmente,
un amplio mercado en Tokyo, Japón.
Gabrielle Chanel nació en un hospicio de Saumur, el 19 de agosto de 1883. En
permanente situación de escasez, sobrellevó a duras penas sus primeros años
de infancia junto a sus cuatro hermanos.
A los seis, su madre murió víctima de
ellos, enviándolos al condado de Auvergene, al cuidado de dos tías que tenían
un orfelinato. Por eso, su partida de nacimiento está registrada ahí con fecha
de 1983
El abandono de su padre, la muerte de su madre y la soledad espiritual de
Gabrielle marcaría para siempre su actitud hacia la vida:
-"Durante mi infancia sólo ansié ser amada. Todos los días pensaba en cómo
quitarme la vida, aunque, en el fondo, ya estaba muerta. Sólo el orgullo me
salvó". Con las tías del orfelinato, aprendió a coser y manejar el hilo y la aguja
con especial habilidad, lo que hizo que, a los 17 años, las monjas del orfanato
de Aubazine le consiguieran un empleo como costurera.
De una gran personalidad, con belleza sensualmente discreta, femenina y
menuda figura, pelo corto casi varonil, nada la detuvo cuando en
convertirse en cantante de un
la introdujo en el mundo de divertimento y las relaciones sexuales pasajeras.
De estas relaciones Coco Chanel esperaba obtener los fondos para su gran
sueño, ser una renombrada modista.
Su sobrenombre de "Coco", diminutivo de mascota, se lo debe precisamente a
la actitud sexual asumida en el ejercicio de la prostitución, y tambien por las
tías que la cuidaron, pero otros aseguran que surgió como una suerte de
nombre artístico, a partir de las melodías que entonaba.
De la mano de uno de sus primeros adinerados amantes partió a París, y así
en 1909 se instaló en un pequeño departamento en el Boulevard de
Malesherbes donde rápidamente abrió su primera tienda de sombreros, Modas
Chanel.
Siempre apoyada económicamente por sus clientes de cama, unos años más
tarde se instaló en las localidades que frecuentaban los ricos de
